Tauberbach
Alain Platel/Les Ballets C de La B & Müncher Kammerspiele

Folha de Sala

Apesar de ser loucura, revela método.

(Hamlet, Ato 2, Cena 2)

Uma vez, o encenador Alain Platel recebeu um CD que tinha escrito a marcador “Tauber Bach”. A música do CD fazia parte de um projeto de vídeo de Artur Żmijewski, um artista polaco que pedira a um coro de surdos da Igreja de São Tomás, em Leipzig, para cantar Bach da maneira que este soava a pessoas que não conseguem ouvir. O CD teve um grande impacto em Platel, em boa medida por juntar duas das suas grandes paixões: Bach, o seu compositor favorito, e linguagem gestual. Se não se souber que essa música é cantada por surdos, não se sabe o que se está a ouvir.

Vêm-nos à mente sentimentos de embaraço, acanhamento e riso. Mas, como ninguém, Platel ouve beleza nessa cacofonia, da mesma forma que encontra beleza no que é comummente entendido como feio, anormal, discordante, no que é frequentemente visto como uma doença ou síndroma: espasmos, cãibras, convulsões… toda a gama de tensões musculares incomuns. Platel obriga-nos a olhar de forma diferente, a escutar de forma diferente.

Ele desenvolveu a sua forma particular de ver e ouvir enquanto estudava ensino de recuperação, especializando-se no tratamento de pessoas com deficiência mental e/ou física. Nessa altura, ficou muito impressionado com os pontos de vista de Fernand Deligny. Deligny (1913-1996) foi um pedagogo francês que se tornou conhecido pela sua abordagem radicalmente diferente do tratamento de crianças com autismo. Não admira que Platel tenha levado o elenco todo de tauberbach a um centro para crianças com deficiências graves. Deligny passou a vida a esforçar-se para que o outro pudesse ser diferente e a procurar lampejos de cumplicidade em cada encontro. Não tinha, portanto, medo de procurar o lado negro e misterioso do encontro. A sua vida foi marcada por uma fé absoluta no outro, pela crença de que a ligação é possível, mesmo quando a linguagem falha. Ele advogava uma humanidade coletiva, independentemente da natureza dos indivíduos, estando todos nós sujeitos à morte e ao sexo, a sentimentos de perda e ao desejo.

Há uma outra fonte de inspiração importante: o documentário Estamira, de Marcos Prado. É um retrato pungente de uma mulher brasileira que opta por ‘trabalhar’ num aterro. Durante vinte anos, sobrevive com o que consegue encontrar em Jardim Gramacho, um aterro perto do Rio de Janeiro. Não teve uma vida fácil, mas apesar de, ou graças, à sua doença mental, é uma personalidade muito carismática com pontos de vista filosóficos muito interessantes. Sob as suas ilusões, encontram-se traumas compreensíveis e uma lógica interna forte.

Estamira forneceu a ideia básica para o cenário e a maior parte do texto. A atriz Elsie de Brauw moldou a sua personagem essencialmente a partir dessa Estamira. Os bailarinos são os demais habitantes deste cenário apocalíptico. Num ambiente cruel, criaram seres vivos inocentes, algures entre as amibas, os animais de estimação e as crianças. Este mundo pré-histórico (como diz o bailarino Romeu Runa), este mundo arcaico (de acordo com o meu colega dramaturgo Koen Tachelet), este mundo pré-consciente (como eu próprio lhe chamo), apesar de inspirado em elementos documentais, não reflete a realidade de modo algum. Nem proporciona uma visão privilegiada de Estamira. Encontramo-nos num universo completamente diferente, onde movimentos espasmódicos e sacudidelas em uníssono são as únicas vagas lembranças da civilização há muito perdida, onde um coro de Bach ou uma pequena composição de Mozart cantada em conjunto é tudo o que resta da coerência. Essa é a visão pessimista do espetáculo. Mas também se pode encará-lo como uma promessa para o futuro.

Durante dez anos, de Bonjour Madame a Wolf, Platel envolveu-se muito na representação do mundo diversificado que nos rodeia, do seu chamado multiculturalismo, e escolheu um elenco muito diversificado, tanto cultural, como artisticamente, para retratar esse mundo. A partir de vsprs (2006), o seu trabalho interiorizou-se, passou para debaixo da pele, o elenco tornou-se virtuoso, o espetáculo mais experiência do que representação. Vsprs foi construído como uma trip de ecstasy em cinco etapas. Out of Context — for Pina era uma viagem pela memória, um bilhete de ida e volta ao início dos tempos. Gardenia era uma longa paródia. Este tauberbach junta-se a essa lista como uma iniciação, um rito de iniciação, um batismo, uma imersão e, portanto, também uma possível cura.

Hildegard De Vuyst, dramaturga

Janeiro de 2014

A geografia da vivacidade

Não há peça. Todavia, há personagens, ou melhor: há identidades, criaturas, seres. Uma delas tem nome: Estamira. Estamira refere-se a uma mulher real que vive num aterro, no Brasil. Ela está sempre a falar. Para ela, falar significa sobreviver. Fala com as vozes que tem na cabeça, com a voz acima da sua cabeça. Estamira é assombrada pela sua biografia, pelos demónios que tem na cabeça, pela luta sem fim contra ela própria e um mundo em que a vida se tornou pura sobrevivência. Tenta exorcizar a energia negativa acumulada nela recitando continuamente uma série de fórmulas. “Não percas o controlo! Não percas o controlo!”

Estamira não vive sozinha. Surgem criaturas em todos os cantos, desafiando-a, obrigando-a a usar os sentidos de forma diferente, a sentir novamente, a observar e a escutar. Essas criaturas não precisam, ou já não precisam, de linguagem oral. Provavelmente, também estavam à procura — como Estamira — de controlo e equilíbrio. Mas, um dia, deixaram de lutar contra si próprias e o resto do mundo e encontraram um aliado no caos da lixeira. Essa paz deu azo à imaginação, à criação de mundos paralelos, onde tudo é fluído, pronto a ser novamente observado e identificado. Um processo de reciclagem mental e físico.

Estamira criou uma língua própria. As primeiras letras são PTG. Ela fala essa língua quando invoca uma ajuda invisível. “Quando telefona a Deus”, como diz Alain Platel. A língua PTG diz muito acerca da vontade de Estamira de sobreviver, mas também acerca da sua solidão. Ela é a única que sabe o que está a pedir. As respostas refletem apenas as suas próprias necessidades. Estamira chama-se a si mesma no escuro. Até que uma das bailarinas, Lisi Estaras, pega no microfone e começa a falar a mesma língua PTG que não existe. E então, de repente, o vazio da existência de Estamira é preenchido com compreensão e empatia por parte de outro ser humano. Não conseguimos compreender as palavras, mas compreendemos o que significam. É um passo crucial para Estamira soltar os seus medos e passar a confiar e a entregar-se.

Alain Platel usa a história de Estamira para contar outra: a história do teatro falado e da dança e do seu encontro. Platel não se pergunta, em tauberbach: podem os bailarinos representar e podem os atores dançar? Mas antes: o que significa representar e dançar para o tipo de pessoa que surge enquanto dança e representa? Quando é que uma imagem corporal se torna numa imagem humana? E como é que duas imagens corporais podem travar um diálogo, quando é que se ligam, confundem e o que acontece então à pessoa dentro desse corpo?

tauberbach é uma história sobre pessoas que se querem separar de sistemas codificados. Nesse processo, o corpo desempenha um papel crucial. Durante as nossas conversas, no processo de ensaio, um dos tópicos era “a nudez no palco”. Alguns bailarinos perguntaram: porque é que voltamos o nosso interior do avesso e não o nosso corpo? O resultado dessas conversas é que, não a nudez em si, mas a vergonha tornou-se essencial ao longo do espetáculo. A vergonha não é necessariamente humilhante, pois também pode conduzir à beleza e autoconsciência. Afinal de contas, a vergonha tem a ver com até que ponto optamos por revelar informação sobre nós mesmos. Quando Estamira olha para o mundo de criaturas que a rodeiam, vê um mundo sem vergonha, sem regras e sem moral. E depois testemunha duas pessoas a interpretarem uma dança de acasalamento que é tão intensa que apaga todas as diferenças entre homens e animais. O que ela vê é tão autêntico que está para além da moral e tem um efeito catártico.

tauberbach é a história de uma mulher a quem se retira a casca. Uma mulher que vive na sua mente e que descobre o seu corpo de forma gradual. A história da resistência e de como o ambiente a pode eliminar. Da vida que continua. 24 horas de dignidade.

Koen Tachelet, dramaturgo

Janeiro de 2014